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Con motivo de pasar una semana en Miami viendo obsesivamente arte, expongo acá a los artistas que descubrí en el camino. A algunos los conocía, a otros los ignoraba por completo, pero los cinco elegidos, han tenido un rol particular e influyente en las neo vanguardias de los ´60. Es en esta década cuando el arte volvió a experimentar como lo había hecho en los primeros años del siglo XX. Fue una explosión de nuevas formas de hacer y de pensar el arte y sobre todo, de cuestionarse y proponer nuevos límites para éste. Los invito a descubrir…

Alex Katz, Nueva York, 1927

 

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Alex Katz ha sido toda una revelación. Un artista que no era tan conocido para el público masivo, hasta ahora. Su estética mundana y colorida, resuena tanto con nuestro mundo instagrameable que fue la elegida por la marca sueca H&M para la segunda serie de Fashion Loves Art. La colección, que consiste en diversos artículos impresos con los retratos de Katz, fue lanzada junto a Paper Magazine en el marco de Art Basel Miami

El arte de Katz es intrínsecamente americano. Creció como artista en medio del Expresionismo Abstracto; la norma eran los grandes lienzos que demostraban las profundidades emocionales del artista en cada pincelada. Katz buscó “matar al padre”, separarse de sus predecesores y hacer algo completamente nuevo. Regresó a lo figurativo retratando personajes con un completo desapego emocional. Quería deshacerse de la necesidad de volcar su interior sensible en la obra, para sólo buscar la estilización.

Antes que Warhol (de quien dice le robó ideas) estaba pintando retratos dobles con fondos monocromos. De alguna manera su obra antecede al Pop Art; las figuras planas, los colores en bloque y las reminiscencias estéticas de la publicidad, ya las estaba trabajando Katz. Pero su obra cobra importancia en cuanto ha trascendido la coyuntura histórica, a sus 89 años sigue pintando retratos (y también paisajes) con las mismas reglas estéticas.

Además pareciera que lo de Katz es más profundo. En sus cuadros, las personas transmiten un allure muy particular, muy cool y sofisticado. Gente linda, perteneciente a la sociedad influyente norteamericana en sus días ociosos. Es como si Katz siempre nos mostrara el vaso medio lleno. El gran pero, es que no se puede negar que sus cuadros sí sugieren cierta tensión social, estas personas tan bien vestidas parecen esconder cuotas de rigidez e infelicidad, ese doble juego es lo más interesante en su obra.

Magdalena Abakanowicz, Polonia, 1930

La obra de la polaca Magdalena Abakanowicz la descubrí en Collins Park, en el sector público de Art Basel Miami. Se presentaba una de sus obras más pequeñas, 10 Standing Figures, serie de esculturas en bronce del año 2000. La obra de Abakanowicz es inherentemente monumental, juega con las sensaciones del espectador en el espacio, logrando un potente efecto escénico.

Por otra parte, trabaja incesantemente el tema de la serie, influenciada por su vida en la Polonia soviética. En un contexto post segunda guerra mundial, su lenguaje visual nos habla de la serialidad en las sociedades de masas y sobre todo en los regímenes totalitarios. Pero lo interesante es la tensión que produce con lo individual; cada una de sus esculturas está hecha a mano, con materiales con los que ella puede moldear e imprimir un sello de unicidad. La contraposición entre el individuo y la masa.

Su primer salto a la fama internacional lo da en la Biennal de Sao Paulo, el año 1967 con sus famosos Abakans; esculturas textiles suspendidas en el aire en tamaño sobrehumano (que me recuerdan persistentemente el trabajo de Rei Kawakubo). Esta obra primaria es de una vanguardia exquisita. Como ella misma relata “They irritated. They were untimely. There was the French tapestry in weaving, pop-art and conceptual art. And here there were some complicated, huge, magic forms”. En un mundo del arte dominado por tendencias masculinas desligadas del sentimiento, llega esta mujer polaca con sus tremendas esculturas textiles de formas orgánicas que, como ella misma explica, nacen de su subconsciente. Una fuerte postura frente al racionalismo imperante.

Sol LeWitt, Nueva York, 1928-2007

Sol LeWitt es el padre del arte conceptual y del minimalismo. Cuando joven se sentía menoscabado por el Expresionismo Abstracto, ya que consideraba que no tenía en su interior la fuerza de la expresión que se buscaba en la época. Después de otros trabajos menores, llega a un puesto en la librería del MoMA. Sus compañeros de trabajo eran los también artistas Dan Flavin, Robert Ryman y Robert Mangold. Todos pretendían encontrar los nuevos caminos y los nuevos significados del arte.

En un seminario en 1967, LeWitt expone sus Paragraphs on Conceptual Art, donde determina las bases del Arte Conceptual. Es el proyecto, es la idea la que convierte al trabajo en obra de arte, “the idea becomes a machine that makes the art”. Por lo tanto, dibujos o planos, son igualmente la obra de arte como el objeto terminado. Solía escribir instrucciones para construir sus modelos o sus pinturas murales para que otros los llevaran a cabo, tal como en el taller de un arquitecto. Lo interesante de LeWitt, es que él a propósito dejaba partes inconclusas, para que la obra tuviera un final fluido, según la interpretación del otro.

 

Las primeras obras de Lewitt se basaban en las más simples formas geométricas. Una de sus obras más famosas y con mayor influjo, es la serie Incomplete Open Cubes de 1974. El proyecto consiste en un concepto aritmético que identifica las 122 variables en las que un cubo puede estar incompleto. El proyecto se ha efectuado en diferentes medios; dibujos, pequeñas estructuras de madera y grandes armazones de aluminio como el que se encontraba en Collins Park, Miami Beach y en el Pérez Art Museum.

Posteriormente, LeWitt se concentrará en crear enormes murales en base a la repetición de formas geométricas y colores primarios. Pero sus ideas sobre el conceptualismo seguían en pie, para cada mural él mandaba las instrucciones para que sus asistentes lo concluyeran. Luego aparecía en la inauguración para saber cómo había quedado. Sus consideraciones en torno a lo que es arte y lo que no, han sido fundamentales en el desarrollo de esta disciplina.

John Baldessari, California, 1931

John Baldessari es un grande del arte contemporáneo. Prontamente en su carrera dejó atrás la pintura tradicional y comenzó a navegar por las aguas del recién emergente arte conceptual, el cual él mismo ayudó a desarrollar. Fue fundamental en romper con el antiguo orden. En 1970 en un acto literal, cremó todo lo que había pintado entre 1953 y 1966. Y en 1971 hizo un video en donde escribió incontables veces “I will note make any more boring art”, hasta que al lápiz se le acabó la tinta.

Sus primeros trabajos en la línea del conceptualismo, generalmente incluían palabras. Para él palabras e imágenes se comportan de la misma manera; como códigos que transmiten significados. Luego su trabajo se concentrará en las imágenes y en las combinaciones de éstas. Posee una colección de miles de stills de películas, las que guarda categorizadas por temas. Con esto, crea collages que provocan, nuevas imágenes que desconciertan en su composicón. Uno de sus símbolos reconocibles es tapar las caras con puntos de colores. Una idea que se le ocurrió al trabajar gráficamente con stickers redondos.

Gran admirador de Sol LeWitt, él también fue una gran influencia para artistas de toda una generación como Cindy Sherman, Barbara Kruger y David Salle. De hecho, difundió ampliamente su visión siendo profesor de la Universidad de California por más de tres décadas.

Jannis Kounellis, Grecia, 1936

Kounellis ha vivido en Roma desde 1956, convirtiéndose en un artista fundamental de la escena italiana. Su trabajo responde a los principios del Arte Povera o Arte Pobre en español. Como lo indica su nombre, estos artistas volcaron su trabajo al uso y la experimentación con materiales “pobres” y simples, ligados a la tierra. Madera, café, piedras, algodón y la tierra misma han sido parte de sus obras.

En gran parte, este movimiento estaba reaccionando a los artificios del Pop Art, a los colores sintéticos, a la estética publicitaria y en general a la cultura americana que estaba entrando en la Italia de la postguerra. Pero lo interesante, es que su trabajo sigue cuestionando los límites del arte que, como ya hemos visto, es un tema muy pertinente al clima artístico de los ´60 y ´70. Rompe con la idea del lienzo y se lanza de lleno a la tridimensionalidad.

En 1970, Kounellis presenta en la galería romana Galleria L´Attico, doce caballos vivos, en un intento por llevar la unión de vida y arte al extremo. Luego lo vuelve a hacer exponiendo un papagayo en su instalación en el Reina Sofía en Madrid. Es un artista dramático, épico y escénico, con un vocabulario totalmente identificable que nos conecta con nuestro lado primitivo pero de una manera totalmente contemporánea.

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