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Andy Warhol es considerado el artista más famoso y más relevante de la segunda mitad del siglo XX, así como Picasso lo fue de la primera. Andy Warhol vio la esencia de una cultura de masas, bombardeada por los medios de comunicación y obsesionada con la fama. Andy Warhol entendió el sueño americano contemporáneo, teñido de consumismo e individualismo. Espejó y a la vez creó la cultura americana de postguerra, que invadiría el globo en su nuevo puesto de potencia dominante. Era como un niño curioso que todo lo observaba y absorbía. 

Andy Warhol alcanzó esto a través de un arte que parece superficial y mecánico, y que en parte lo es, pero en parte lo es también nuestra cultura y nosotros mismos. Nos enfrenta con la contradicción entre la satisfacción inmediata y su misma vaciedad. Ese es su juego y eso es lo que lo hace tan grande.

Su mensaje nos resuena con más fuerza aún en la era digital y por esto la exposición que se presenta hasta octubre en el Centro Cultural Palacio La Moneda, marca un hito que nos acerca a la obra de este controversial genio. En KatariMag extraímos 11 citas de los textos de la muestra, agregándoles historias y análisis, para así maximizar tu entendimiento de Warhol en el recorrido por la expo.

“A pesar de su éxito como ilustrador publicitario, Warhol quería convertirse en un artista plástico. Durante la década de los ’60 y con 30 años, comenzó a desarrollar y exhibir sus primera pinturas consideradas como arte Pop”

Luego de una década en la que se convirtió en el ilustrador comercial mejor pagado y más famoso de Nueva York, Andy iniciaría su camino para ser reconocido como un verdadero artista de la vanguardia. El Pop Art ya existía, Andy no lo inventó. Claes Oldenburg ya había presentado sus esculturas de pasteles y Roy Lichtenstein pintaba tiras cómicas. Warhol necesitaba emerger con algo totalmente nuevo y rupturista; lo que llegó en la forma de Sopas Campbell.

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El año ’62, luego del consejo de una amiga, Warhol se lanza a pintar a mano (aún no usaba serigrafía) las 32 variedades de Sopa Campbell que se vendían en ese momento; carne, tomate, pollo, esparragos, etc. Fueron pintadas idénticas al original, en un estilo gráfico publicitario, de colores puros y un trazo que no acusa la mano del autor. Nadie los quiso mostrar en Nueva York, por lo que Andy consiguió su primera exposición en la galería de Irvin Blum en Los Angeles. Asombro y revuelo causaron ante el público, se vendieron sólo 4. Pero Blum en esos grandes minutos del destino, decide comprarlos de vuelta y quedarse con la serie de 32 intactos. Le pagó a Warhol 1000 USD, el año ’96 se los vendió al MoMA por 15 millones de dólares.

Dos años después Warhol va más allá y crea sus famosas esculturas de cajas de supermercado. Cajas de esponjas Brillo, cajas de productos El Monte, cajas de kétchup Heinz. Todas éstas se fabricaron en su estudio, en serigrafía, en una forma mecánica que imita las líneas de ensamblaje de las fábricas. Se exhibieron amontonadas en la galería de Eleanor Ward en Nueva York. La fila para entrar a verlas daba vuelta a la cuadra. Andy Warhol lo había logrado; se había convertido en un famoso artista Pop de la vanguardia.

“La obra de Andy Warhol acercó el arte a la vida cotidiana y sus creaciones estuvieron dedicadas al estilo de vida del norteamericano común, que tan bien conocía. Al crear obras que imitaran la realidad a la perfección , como es el caso de las cajas de esponjas Brillo, Warhol cambió las reglas del arte para siempre”

Desde los años ’50 Estados Unidos vivía una bonanza económica estimulada por un nuevo consumismo de masas. Supermercados y fuentes de soda proliferaban por todo el país. Además la industria de alimentos procesados y enlatados, florecía luego de los descubrimientos técnicos que se habían hecho en los años de guerra. El tema a elección no podía ser más preciso y simbólico de los años en que vivía, aumentando su significado por el mismo recurso de la repetición. Un producto de consumo masivo, a manos de Warhol, se convierte en un ícono cultural.

Más grandioso aún, con estas obras Warhol sacudió al mundo del arte para que nunca volviera a ser el mismo. Tanto así que el crítico de arte Arthur C. Danto, categoriza a las cajas de esponjas Brillo como el fin del arte, o desde otra vereda, el principio de una nueva concepción de ello. Warhol hace cajas que son idénticas a las originales y en serigrafía, con esto niega el concepto de autor, de originalidad, que es el centro del quehacer artístico desde el Renacimiento. Warhol cierra un ciclo. Su propia explicación: “Las traté de hacer a mano, pero me resultó más fácil serigrafiar. De esta manera no tengo que trabajar en mis propios objetos. Alguno de mis asistentes o de hecho cualquier persona puede reproducir el diseño, así como yo mismo“. Superficialidad en el exterior, profundidad filosófica en el interior, algo totalmente warholiano.

“La muerte sin embargo, se mantuvo siempre como un tema central: Warhol pintó a Marilyn Monroe inmediatamente luego de su fallecimiento en 1962 y a Elizabeth Taylor mientras estaba internada en el hospital con riesgo vital”

Los mejores retratos de Warhol y lejos los más simbólicos son los de tres mujeres que se convirtieron en iconos de la cultura estadounidense: Monroe, Taylor y Jackie Kennedy, a quien retrató luego del asesinato de su marido. Estos tienen una fuerza sacra que no tienen los retratos que hizo por encargo en su periodo más comercial.

La primera Marilyn que pintó la hizo con fondo dorado, en una conexión obvia con un icono religioso. Al igual que a Jackie, una vida de fama y una muerte mediática le da un carácter sacro al personaje y la constante repetición de su imagen las va deshumanizando hasta convertirse sólo en ello. Andy Warhol entendió a la perfección cómo una sociedad secular y democrática, que ha perdido el culto a Dios y a los Reyes, necesita igualmente endiosar. En palabras de Bob Colacello “Un artista religioso para una cultura secular”

Andy Warhol estaba obsesionado desde pequeño con la fama y el naciente star system de Hollywood. Pasó su infancia de niño enfermizo en cama recortando revistas. Esta iconografía warholiana, se relaciona también con su infancia en el seno de una familia de inmigrantes de Europa del Este muy religiosa. Los Warhola (originalmente tenía una “a” final) pertenecían a la Iglesia Griega de rito ortodoxo. Estas iglesias están decoradas en su interior con iconos bizantinos, imágenes religiosas de carácter sacro, con figuras frontales y fondo dorado. Warhol de niño se pasaba horas con su madre Julia en la Iglesia mirando estas imágenes y de hecho siguió yendo los domingos hasta el final de sus días.

“En 1964 estableció su taller en el número 231 de la calle East de Manhattan, Nueva York. Los muros de este lugar se pintaron de plateado y se cubrieron de aluminio”

La Silver Factory fue la primera de varias otras en distintas locaciones de Manhattan. Pero ninguna sostuvo el status de culto de este lugar donde todo era plateado. Para Andy el color significaba futuro y astronautas y por otro lado el glitter pasado de Hollywood y el narcisismo del reflejo. Este era un espacio abierto, casi público, donde quien quería y se sentía cómodo, subía a pasar el rato. Con esto, The Factory se comenzó a convertir en el playground de la movida experimental que sacudía los ’60. Warhol lograba juntar un mix único y moderno de gente; drag queens y buscavidas del downtown, hippies de las universidades y socialités de Park Avenue traídas por Jane Holzer.

Era un lugar donde constantemente se estaba creando. Esta energía sin límites se estimulaba en base a anfetaminas, heroína y marihuana que a su vez empujaban la experimentación sexual, famosa era la Silver Factory por sus orgías in situ, muchas de ellas filmadas. Una de las creaciones más vanguardistas de esta época fue la performance Exploting Plastic Inevitable. Esta fue una serie de eventos multimedia que consistían en salas oscuras donde tocaba The Velvet Underground & Nico, se proyectaban las películas de Warhol y donde todo quedaba envuelto en el movimiento de las luces estroboscópicas.

“Entre 1963 y 1976 Warhol hizo alrededor de 600 filmes, cuestionando también las bases de lo que se consideraba cine en ese momento”

El año ‘65 en un viaje a París, Warhol anuncia su retiro del mundo de la pintura para dedicarse de lleno a hacer películas y comienza a invertir gran parte del dinero derivado del arte, en ellas. A pesar de que es una parte menos conocida de su obra, tuvo un alto impacto en el mundo del cine, influenciando a Jean-Luc Godard y a Francois Truffaut. El cine de Andy Warhol cuestionaba constantemente los límites del medio, creando películas, que al igual que sus cuadros, imitaban la realidad.

Kiss es una película muda de 50 minutos que muestra distintas parejas besándose (mismo sexo y distinto sexo), Sleep son 5 horas y 20 minutos de su amigo/amante John Giorno durmiendo. Luego vinieron otras con más trama y guión, pero el experimento seguía ahí. Los protagonistas eran los mismos personajes que pasaban su vida en la Factory, a quienes Andy llamaba sus Superstars. Básicamente actuaban de si mismos, como en Couch, una película de 54 minutos donde se filman una serie de encuentros sexuales de distintas parejas en el clásico sillón de la Factory. Más que dirigir Warhol registraba y los Superstars exhibían.

Decía Warhol de sus Superstars “Son las sobras del showbusiness, calidad de estrellas, pero sin el ego de estrellas, demasiado talentosos para vivir vidas normales, pero demasiado locos para convertirse alguna vez en verdaderos profesionales” Y esta locura intrínseca terminó por convertirse en decadencia. El exceso desmedido llevó a algunos a la muerte y a otros a la demencia. Tanto así, que uno de ellos intentó matar a Andy Warhol y casi lo logra, terminando esta etapa para siempre…

Te contamos esta historia y más en la segunda parte.

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